演出 の原則：撮影から編集まで、動画制作における効果的な 演出 とその影響力

演出 の役割

演出は動画の根幹の部分です。全てに関わります。人物がいるのなら話す内容や何処で話すのか？ということや、時間は何時にするのか？天気はどうなのか？など内容にかかわることから、撮影時のカメラワークや、編集時のカットとカットの繋ぎをどう繋ぐのか？音楽は入れるのか？どんな曲なのか？などを決めます。

つまり演出とは映画でいうところの監督がやってる事であり、テレビ番組でいうところのディレクターです。演出とは、物事を表現するときに（機械などの動作の装飾的な動きも含め）それを効果的に見せることなので、演出家（監督、ディレクター）は動画の完成イメージを誰よりも把握していて、実現できるようにしなければいけません。

動画だけでは収まらない 演出 の世界　動画以外で使われる演出とは

演出は、テレビ業界や昨今のクリエイター業界に合わせてディレクションと言われたりすることも多いです。少人数のスタッフで全体をまとめて方向づけすることが多くあるのでそう呼ばれます。
あえて演出だけの役割を他の監督業の役割と分けて呼ぶ場合は、全体の統括ではなくより専門的な判断を求められるときに分けて呼ばれることがあります。

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安心できるのも 演出

映画やドラマなど、役者の演技を決める演出があるように、撮影、編集にも演出はあります。

演出はあまりにも当たり前すぎて、初心者や未経験者は疎かにしがちだったりします。また動画制作に慣れてくると、作業がルーティーンになりがちで演出が疎かになりがちだったりもします。型にはめて方向性を決めるのだから、それでいい場合もあります。例えば、サザエさんやちびまる子ちゃん、ドラえもんやクレヨンしんちゃんに毎回違う、観客が考え込まなければいけない要素があると、それは目的を果たせていないと言えます。期待を裏切らないようにすること（期待を裏切られることを期待されているのなら期待を裏切るようにすること）を毎週安定して観客にみせることも演出の仕事です。再生数の多いYouTubeチャンネルなどは、その辺りをきちんと意識して作られていると思います。
動画の演出が変われば全く違う動画になります。ですから演出の役割を担う演出家が変われば、全てが変わってしまいます。

iPhone14Proのシネマティックモードは 演出 技法の一つです

意味を伝えることを演出という話をしましたが、新しく販売されたiPhone14Pro に搭載されている、被写界深度やフォーカスポイントを調整することができるシネマティックモードがあります。

これも動画においては”見ている”、”見ていない”の意味を伝える技法であり演出です。
このシネマティックモードをより活用するためにも、より多くの演出技法を身につけることをお勧めします。

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演出というととてもハードルを高く感じてしまうかも知れません。演出とは何を伝えたいのか？という伝える方向づけなので何だって演出することができます。もちろんカメラはスマホのものしかなくても演出はできます。是非、お手持ちのスマホで試してみてください。

演出 の種類

演出家という仕事があります。舞台や映像作品でその作品の芸術性・エンターテインメント性が高まるよう、

• 役者への演技指導
• 照明
• 美術（大道具・小道具）
• 音響効果

などの指示・決定を担当します。

テレビドラマや映画などの映像作品の場合は監督と言われる業務です。監督やディレクターが演出家を兼ねているケースが多いため、撮影のカメラワーク、最終的な仕上げにつながる編集にも効果的に作品の芸術性・エンターテインメント性を高めるようにプランニングすることを演出と呼ぶこともあります。

この記事では動画における制作・撮影・編集における各分野の演出について詳しく述べていきます。

企画段階で 演出 していること

脚本を書き始める前から演出の仕事は始まっています。内容に対して表現の議論を行います。脚本は脚本家の仕事なので、演出の仕事かというと厳密には違います。

しかし、脚本を手がける監督も少なくなく、最近では1人で全て手がけるビデオグラファーの方もいますので脚本の段階でも演出の仕事をしているという意識は必要です。

• キャスティング
• ロケハン
• 小道具・衣装合わせ
• 撮影
• 編集

など決定しなければいけない事は多岐にわたりますが、これら全て企画の段階で決められていた方が演出はしやすいです。
演出の設計図である絵コンテは以下のことを踏まえた上でコンテを切り、演出していきます。

1. キャスティングはどういう役に、どういう俳優を割り当てるか？どういう性格にしていくかを決定します。これもまた演出の仕事でもありますので監督、ディレクターは考えをも持っていなければいけません。とはいえ大きな企画になると、スポンサーやプロデューサーによって既に決定されていることが多いので、演出家は与えられた配役でどう演技させるのかを念頭に置く必要があります。
2. ロケハンは、ロケーションハンティングのことで撮影を行う場所を決定します。空間が持つ演出効果はありますので、映像の中でどの様に、その場所を活かすのか？作りたい映像にあった場所なのだろうか？を決定しなければいけません。
3. 小道具・衣装合わせ。きちんとどのシーンで何が使われているのかを把握していなければ繋がった映像を作るのは難しくなります。なので専門のスタッフが就くことが多いですが、映像の映えにもっとも影響される部分でもあるので監督にとってとても重要な仕事です。。
4. 撮影ではカメラワークやカメラ位置、カメラが捕らえる画角管理する。カメラ・ポジション（撮影場所）や画角、とカメラの動作、役者の演技を決定します。絵コンテの段階で決まっていることではありますが、現場を意識していなければ、繋がった映像を撮影することはできません。撮られていないものはどうしようもないので、絵コンテの段階でいかに設計してあるかが問われます。
5. 編集は総仕上げに当たる部分です。映像と映像の繋ぎ方を決定し、音楽や効果音などをつけます。どのように繋ぐかで伝わり方が大きく変わってくるので、絵コンテの段階でほぼ全て決定されていないといけませんが、編集段階で修正を加えることは多いです。

このように専門家が分業でやることでより良い作品が生み出されるわけですが、

役者への演技指導における 演出

抽象的な指示から具体的な指示
動画における演技指導は具体的な方が良いと考えられています。編集段階におけるカットのつなぎや、カメラワークとの連携、照明の当たり方など細かく調整しなければならない項目が多数あるからです。

しかし事細かく具体的に指示をした演技が面白いとはいえないことも多いです。なぜならば演者や被写体の個性を封じてしまう事になるからです。演者というのはドラマや映画などの物語を演じることだけではありません。バラエティ番組などの出演者にも言えます。観客は動画の中の人を見ます。その人が自然に振る舞えていなかったら違和感を持つでしょう。嘘だと感じるかもしれないし一度、違和感や疑わしく感じてしまった観客に再び動画の中に没入してもらうのは至難の業です。

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舞台装置としての 演出

動画における舞台装置とは、ロケーションの現場を指します。
誰と、何が配置されていて、何処で行われているか？を選び取ります。その舞台が、物語にどの様に影響されて物語ろうとしているのかを選び取ります。

脚本の段階で決まることであり、スケジュールの都合で現場の監督（ディレクター）が変更を示すこともありますが、その時も、時間や場所が変更されることで、物語にどのような影響が起きるかを加味しなければいけません。

雨で悲しい場面を表現しようと決定したものを、晴わたる青い空の日に撮るわけには行きません。しかし逆にそういった表現が物語に深みを持たせることもあります。その判断をしなければいけないのでとても大切な仕事となります。

絵コンテの描き方

動画の演出には絵コンテを描いて伝えるという行程があります。絵コンテが映像の演出の全てと言っても過言ではないでしょう。絵コンテは動画の設計図のようなもので、1続きのカット（画面）がどのようなものかを説明しています。
ですので画面という言葉から画コンテ と書くこともあります。

一つのカット（画面）で演出する（伝える）ことは「被写体はどのようなサイズ、構図になるか」「被写体はどのような動きをするのか」「カメラのどの部分から画面に入ったり出たりするのか」「カメラ自体はどのような動きをするのか、固定（フィックス）なのか」「どのくらいの時間映しているのか（尺）」などを伝えます。これは絵コンテ上で撮影していると言えるでしょう。

そして、絵コンテを上から順番に読めば、映像の流れ（時間の流れ）が把握できるようになっています。カットの流れ（順番）が演出する（伝える）ことは、絵コンテ上で編集していると言えるでしょう。
つまり絵コンテが書けなければ動画の演出をしているとは言えませんし、撮影も編集も考えて作ったとは言えないでしょう。

カメラで行う 演出

撮影段階の演出といいえば画角や構図などのフレーミングやカメラワークになります。それは、被写体のサイズやカメラの動きといった瞬間の瞬間の画面に映るものを決める作業でもあります。

その瞬間のうちに何が写り込んで観客にどう思わせるのか？が大事になります。ここでは、被写体のサイズ感によって与える観客の印象をまとめてみたいと思います。

撮影演出での目的

カメラワーク、カメラポジション、画角を決める主な目的は、映像作品における物語の展開と視覚的表現を最大化することです。これらの要素は、物語の感情的なトーンを設定し、観客の関心を引き付け、情報を伝えるために重要です。

映像制作における各要素の目的をより詳しく説明します：

1. 構図：
   • 映像内のすべての要素（被写体、背景、小物）の配置とバランスを決定します。
   • 物語の重要なポイントや感情的な重みを観客に伝えるために使用されます。
   • 三分割法や黄金比などの技法を使って視覚的に魅力的な映像を作り出します。
2. レイアウト：
   • シーン内の空間的な関係性と全体的な視覚的印象を構築します。
   • シーンの雰囲気や物語のテーマを補強し、視覚的な調和を作り出します。
   • 観客の目を特定のポイントに導くために重要です。
3. カメラワーク：
   • カメラの動き（パン、ティルト、ズームなど）を通じて、シーンのダイナミズムを作り出します。
   • 感情的な緊張やリラックスを視覚的に表現し、観客の興味を維持します。
   • カメラの動きによって、映像にリズムやテンポを加えます。
4. カメラポジション：
   • カメラが置かれる位置によって視覚的な視点が決まり、物語の観客への伝達方法が影響を受けます。
   • ハイアングル、ローアングル、アイレベルなどの異なるポジションが、シーンの感情的な意味を変えることができます。
5. 画角：
   • レンズの焦点距離によって被写体や背景の映像内での見え方が変わります。
   • 広角レンズは広範囲を捉え、望遠レンズは被写体に焦点を当て、背景を圧縮します。
   • シーンの感情的な深みや空間的な関係性を強化します。
6. 被写体のサイズ：
   • カメラからの距離やレンズの選択によって、映像内での被写体の視覚的な大きさを調整します。
   • 被写体の重要性、感情、物語内での役割を強調するために使用されます。
   • 観客の感情的な反応や被写体への共感を促進するために重要です。

これらの要素を適切に組み合わせて使用することで、映像作品は観客に対してより強い感情的な反応や深い理解を引き出すと同時に、視覚的に魅力的な体験を提供するために総合的に使用されます。

カメラポジション

イマジナリーライン（想定線）、海外では180度ルール（180-degree rule）と言われていますが、これは映像制作における重要な原則で、特に対話シーンやアクションシーンにおける被写体の一貫した視覚的関係性を維持するために用いられます。このルールに従うとき、映像制作者はシーン内の被写体を結ぶ想像上の直線を設定します。このラインはカメラが動く範囲の基準となり、カメラはこのラインの一方の側に留まる必要があります。イマジナリーラインを越えて反対側に移動すると、被写体の見ている方向や空間的な関係性が逆転し、視聴者に混乱を招く可能性があります。このルールを適用することで、視聴者は映像内の空間的な関係や方向性を無意識のうちに追跡しやすくなり、物語に没入しやすくなります。しかし、このルールは絶対的なものではなく、特定の演出効果や意図的な混乱を生み出すために意図的に破られることもあります。このように、イマジナリーラインは映像の物語を視聴者に明確に伝えるための効果的なツールであり、適切な使用により視聴者の映像体験を向上させます。

1. 空間的な一貫性の維持：
   • イマジナリーラインは、被写体間や環境内の空間的な関係を一貫させるために存在します。このラインを超えると、被写体の位置関係が突然変わり、視聴者が混乱する原因となります。
2. 方向性の維持：
   • 対話シーンでは、被写体がお互いに向き合って話す方向を一貫させることが重要です。イマジナリーラインを越えると、被写体の見ている方向が逆転してしまい、会話の流れが不自然に感じられます。
3. 視聴者の混乱を防ぐ：
   • 視聴者は一般的に、映像内の空間的な関係や方向性を無意識に追跡します。イマジナリーラインを越えると、これらの関係性が破壊され、視聴者がストーリーに集中するのを妨げる可能性があります。
4. 物語の流れの維持：
   • 映像内での一貫した視覚的な流れは、物語を伝えるのに不可欠です。ラインを越えることで生じる空間的な混乱は、物語の流れを中断し、視聴者の没入感を損なう可能性があります。

このルールは常に絶対ではなく、意図的にイマジナリーラインを越えることで特定の効果やスタイルを生み出すこともあります。このような場合、それは通常、視聴者の注意を引くためや特定の感情的な反応を促すために計算された選択として行われます。しかし、一般的には、イマジナリーラインの原則を守ることで、視聴者にとって理解しやすく、視覚的に一貫性のある映像体験を提供することができます。

演出意図 に合わせてカメラを選ぶ

演出意図に合わせてカメラを選ぶ際には、撮影したいシーンの特性や映像のスタイル、技術的な要求に基づいて適切なカメラを選定する必要があります。

まず、未経験者の方は画質と解像度が重要だと思われるかもしれません。高品質の映画制作には高解像度を提供するカメラが適していますが、ドキュメンタリーやニュース報道では、よりコンパクトで操作しやすいカメラが求められることがあります。機動性の高く電動ズームができるビデオカメラは舞台などの記録映像で能力を発揮します。また表現力を求められるような映像にはレンズを交換できる一眼レフカメラタイプやシネマカメラが求められるでしょう。その場合はレンズの互換性にも注意が必要で、異なる画角や深度を演出するためにはさまざまな種類のレンズを持っている必要があります。広角レンズは広範囲を捉え、望遠レンズは被写体に焦点を当てます。演出の意図に合わせてレンズを選べるのは一眼レフカメラタイプやシネマカメラは表現力が高く最近の動画制作では個人の方も多く活用されます。

また、カメラのサイズと重量も重要な選定基準です。手持ち撮影や動きが多いシーンには軽量でコンパクトなカメラが、スタジオ撮影には重く大きなカメラも適しています。録画フォーマットとメディアも、高品質の映像やポストプロダクションの要求に応じて選ぶ必要があります。RAWフォーマットや高ビットレートのオプションを提供するカメラは、編集の柔軟性を高めます。ここで注意が必要なのが不必要に高価なものを選んでしまって編集できないといった事態に陥ることです。撮影でのカメラ選びには編集のことも踏まえて考えておいた方がいいでしょう。

予算も大きな考慮点で、プロジェクトの予算に合ったカメラを選ぶことが重要です。高性能なカメラは高価ですが、レンタルオプションもあります。さらに、映像の安定性を高めるジンバルや三脚、外部マイクや追加の照明装置など、プロダクションのニーズに合わせたアクセサリーの使用も検討する必要があります。最終的には、プロジェクトの具体的なニーズと演出意図に最も適したカメラを選定することが重要です。これにより、映像の目的とスタイルに合わせた最適なカメラの仕様を選ぶことができます。

1. 画質と解像度：
   • 映画や高品質の映像作品の場合、高解像度で詳細な画質を提供するカメラが求められます。
   • ドキュメンタリーやニュース報道のような現実的なスタイルでは、よりコンパクトで操作性の高いカメラが適している場合があります。
2. レンズの互換性と種類：
   • さまざまなレンズを使用することで、異なる画角や深度の演出が可能です。
   • 広角レンズは広い範囲を捉えるのに適しており、望遠レンズは被写体に焦点を当てます。
3. カメラのサイズと重量：
   • 手持ち撮影や移動が多いシーンでは、軽量でコンパクトなカメラが適しています。
   • スタジオ撮影や固定ショットでは、より重く大きなカメラでも問題ありません。
4. 録画フォーマットとメディア：
   • 高品質の映像を求める場合、RAWフォーマットや高ビットレートのオプションがあるカメラが必要です。
   • 編集の柔軟性やポストプロダクションの要求にも注意してください。
5. 予算とコスト：
   • 高性能なカメラは高価ですが、レンタルオプションも検討できます。
   • プロジェクトの予算に応じて、最適なカメラを選定することが重要です。
6. 追加機能とアクセサリー：
   • 映像の安定性を高めるためのジンバルや三脚の使用を考慮する。
   • 外部マイクや追加の照明装置など、プロダクションのニーズに合わせたアクセサリーが必要になる場合があります。

最終的には、プロジェクトの具体的なニーズと演出意図に最も適したカメラを選ぶことが重要です。映像の目的とスタイルを明確にし、それに基づいてカメラの仕様を検討してください。

カメラワークを決める上での参考書籍

以下の書籍は、カメラワークを考える上でとても参考になる本です。特に「マスターショット１００」は、動画の内容で伝えるべき目的をタイトルに、画面とカメラ位置と演者の動きを示す位置表示、そしてその実例として作品のタイトルが書かれています。大変参考になるので読んでみられることをお勧めします。

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動画を 演出 する上でのカメラマンの心構え

以下は、これまで多くのカメラマンが言ってきたものを中心に個人的に聞いたもの学ばせていただいたものをまとめてみました。
その多くは、黒澤明監督作品の『羅生門』『用心棒』『影武者』のカメラマン宮川一夫氏の言葉です。詳しくはキネマ旬報社発行の『宮川一夫の世界』に掲載されています。こちらの本もお勧めします。

• 観客が見たがっているものを撮ろう
• 構図と配光とカメラワークに集中しよう
• コントラストを意識する。モノクロでも認識しやすい画作りをする
• 暗い場面でもノーマルな露出でとる。編集で暗くする。
• フレームの外にも存在するものがある、 と感じさせる画を創る。観客は目線の先に誰かがいると想像する。視線を意識したレイアウトをする
• パン、移動、ズームなども、 被写体の動きをキッカケにしてはじめるという意識をもつこと
• ズームをとめる場合も、一瞬戻してとめると静止感が出たりする
• いい画でなくてもお芝居をきちんと見せるサイズもある
• カメラマンは引き出しが一杯詰まっている方がいい

以上の心構えを意識して動画を撮影することで、より高いクオリティを目指せるのではないかと思います。

編集での 演出

カット割と尺

編集での 演出 構成と繋がりを考える。

• 全体的にどのような印象になるか？
• 印象的な繋がりを作る

視覚印象の緩急でスピード感、視覚印象の強弱で画像の質感、印象印象の緩急で時間の長さで映像の意味性が発生します。この緩急で観客に物語を感得させます。全く違うものを錯覚でひとつづきに見えるカットを作るのが編集での動画演出の仕事です。

代表的な編集による 演出 技法

映画の歴史は編集の歴史と言っても過言ではありません。その中でも映画を複数の映像をつなげることによって、後ろの映像は前の映像の影響を受けて新しい意味が現れることを示したモンタージュ論があります。

モンタージュ論とクレショフ効果

1925年に公開された旧ソビエトのプロパガンダ映画『戦艦ポチョムキン』では、モンタージュ理論を用いた演出技法が使われました。
映画は複数の連続した映像（カット）を繋ぎ合わせて意味を作っていきます。モンタージュ理論とはこの繋ぎ合わせの時に後ろのカットが前のカットの影響を受けて別の新しい意味が現れることを示しています。

具体的な例を挙げると、「お皿に入ってスープの次に男性の顔」、「棺に入った遺体の次に男性の顔」、「ソファーに横たわる女性の次に男性の顔」それぞれ繋がれた映像をみた観客は、男性の違った印象を持ちました。飢えであったり、悲観であったり、欲望であったり、前の映像と後ろの映像の組み合わせによって異なる印象を持つ傾向にあります。

いくつかの実験によって証明され、モンタージュ理論による効果は「クレショフ効果」と名付けられました。

繋がりの違いによる印象の変化

Jカット・Lカット

映像編集におけるJカットとLカットは、映像と音声の編集においてよく活用される演出手法です。映像と音声の流れを滑らかに連携させることで、物語の没入感を高める演出的な効果を持っています。これらの編集技術は、視覚的なシーンの移行とオーディオのタイミングを調整することにより、観客の注意を自然に新しいシーンに導き、物語の流れをスムーズに保ちます。また、感情的な緊張感や期待を構築するための効果的な手段としても使われます。

これらの技術は、映画『ソーシャル・ネットワーク』のようなダイアログ重視の映画で多用されています。ダイアログのペースが速く、情報量が多い場合、JカットとLカットは会話の自然な流れを保ちつつ、観客の注意を次々に変化する映像情報に引き付けます。

また、ドキュメンタリー映画では、インタビューの被写体が画面外で話し続けている間に、関連する映像が映し出されることがよくあります。これもLカットの一例で、話の内容と視覚情報が連動することで、より深い理解と感情的な共感を促します。

これらの編集技術は、映画だけでなくテレビ番組やオンライン動画など、幅広いメディアで効果的に使われています。JカットとLカットは、観客の感情的な反応を引き出し、物語に没入させる強力なツールとして機能します。

ジャンプカット

映像編集におけるジャンプカットは、一つのショットから別のショットへの急激な移行を指し、通常は同じシーン内、または同じ被写体に焦点を当てたショット間で使用されます。

YouTubeなどのオンラインビデオコンテンツでも最近では頻繁に使用されます。この編集技術は、観客の注意を引き付け、動画のペースを加速するために効果的です。

時間の経過の表現するジャンプカット

演出効果：ジャンプカットは、時間の経過を短く表現するのに効果的です。例えば、被写体がある行動を始めてから完了するまでのプロセスを瞬時に示すために使用されることがあります。

エネルギーと動きの強調：

演出効果：ショット間の急激な移行は、映像にエネルギッシュで動的な感じを与えます。これは、アクションシーンやダイナミックな映像に活気を与えるのに有効です。

被写体の内面状態の表現：

演出効果：被写体の心理的、感情的な状態を表現するのにも使われることがあります。混乱、焦燥感、不安定さなどの内面状態を視覚的に表現するために利用されます。

スタイリッシュな演出：

演出効果：映像作品に独特のスタイルや現代的な感覚を加えるためにも使用されます。観客に新鮮な視覚的体験を提供し、従来の編集規範に挑戦する効果があります。

コンテンツの短縮と編集の効率化：

演出効果YouTube動画では、多くの情報を短い時間内に伝える必要があるため、ジャンプカットは不要な部分を取り除き、必要な情報だけを短縮して伝えるのに使われます。
例えば、ビデオブログ（Vlog）やチュートリアルでは、話者が何かを説明している間に、無関係な部分やためらい言葉をカットして、コンテンツをダイレクトかつエネルギッシュにするためにジャンプカットが用いられます。

視覚的な興味の創出：

演出効果ジャンプカットは視覚的な興味を引き出し、観客が動画に集中し続けるのを助けます。
コメディチャンネルやエンターテインメント系のビデオでは、突然のショットの変更がユーモアの要素を加え、観客を驚かせる効果があります。

物語のペースの調整：

演出効果物語を語る動画やドキュメンタリースタイルのコンテンツでは、ジャンプカットを使用して物語のペースを加速させ、特定の部分に強調を置きます。
これにより、特定の瞬間や重要なポイントを強調し、観客の関心を保持します。

個性的なスタイルの強化：

演出効果YouTuberはしばしば独自の編集スタイルを持ち、ジャンプカットはその一部となり得ます。動画の独特なスタイルを作り上げ、観客に強い印象を与えるために使用されます。

ジャンプカットは、歴史的にも古くから使われていた演出技法ですが、ジャン＝リュック・ゴダールなどのフランス新波映画監督によって多用され、映画編集の伝統的な規範を打ち破る手法として知られています。

ジャンプカットの使用は、編集技術の面では比較的単純ですが、その効果は非常に大きいです。このような編集技法は、観客の注意を維持し、情報を効率的に伝え、映像作品に独特なリズムとペース作るための強力なツールとして、YouTuberなどの動画クリエイターの間でも広く採用されています。

• スタンダートカット
• マッチカット
• モンタージュ
• クロスカッティング

意図したエフェクトを加えよう！

編集のノウハウを伝えるブログやYouTube動画などで『かっこよく、見栄えよくする』というのを見かけます。かっこよく、見栄えよくというのはどういうことなのか？感覚的な言葉で伝えるとわかりにくいかと思いますが、それは視覚印象の緩急と強弱のことを言っています。緩急と強弱の振り幅が広いほど、その変化から見栄えが良くなったように思えますし、かっこよく感じるのでしょう。
しかし、いくら特殊効果のエフェクトを多用しても、前後の映像が何かを意識した上で加えないとただただ派手な映像なだけで、印象的な動画に仕上がることはありません。

前後の繋がりをより意識すれば、エフェクトがより効果的にダイナミズムな映像を生み出します。

動画をかっこよく演出するエフェクト【トップ10】

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動画 演出 のまとめ

絵コンテの書き方が分かっても、演出方法がわからなければそもそも絵コンテは書けません。それはもうひたすら動画を大量に見まくってインプットするしかありません。
しかしそれでも、体系化された演出技法というものは必ずありますので、本などで調べてみるといいでしょう。

そして何よりも一番大切なのは、映像作品をたくさん見ることですね。
みて作品の中に込められたカットごとの意図をきちんと観察すること。動画を見て感じたことがなぜそのように感じたのかという映像を見直すことです。
すると映像がいかに人間の心に入り込み、心を操ろうとしているのか理解できるはずです。映画の歴史はプロパガンダの歴史です。映像の作り手はそこにも自覚的でいつつ、そしてそれが社会全体のためになるよう正しく作っていって欲しいと思っています。

演出 は考え方を示す仕事

動画の演出をするというのは、世界を築くということです。絵コンテ千本切りを果たした富野由悠季監督という方がおられます。富野監督はガンダムの監督で有名ですが、日本のテレビアニメの黎明期から鉄腕アトムの演出を手がけていた方です。

そんな監督の展覧会『富野由悠季の世界』展が2019年6月から2022年1月までの間全国で巡回されてました。

https://www.tomino-exhibition.com

展覧会の中では絵コンテが展示され演出することを丁寧に説明されています。展示の冒頭で富野監督は観客へメッセージを寄せていました。以下引用させていただきます。

「演出」という仕事は、感覚的な仕事であると同時に、たいへん観念的な作業で、「概念(考え方)を示すことができる仕事」なのです。

富野由悠季　（展覧会『富野由悠季の世界』によせて）より

物語をどうものがたるのか？観客にどう思って欲しいのか？どう感じて欲しいのか？といったように観客に伝える仕事をされてきた方だからこそ、演出という仕事の素晴らしさが伝わる言葉だと思います。
みなさんも、映像表現に向き合って素晴らしい作品を作ってください。私も頑張ります。